书法集自序中，笔墨丹青究竟藏着怎样的创作初心与人生体悟？

整理旧书时，偶然翻出十年前的一叠习作，纸页泛黄，墨迹或浓或淡，却都带着初学时的拘谨与热忱，那些横平竖直的笔画里，藏着无数个晨起临帖的清晨，也藏着对书法从“技”到“道”的懵懂求索，如今将这些文字汇集成册，并非为标榜技艺，只是想以笔墨为镜，照见这十年间与书法相伴的时光，也照见一个写字人在传统与现代、技法与心性之间的跋涉。

书法于我，从来不是单纯的“写好字”，初学时，总被老师纠正“笔笔有来历”，从颜真卿的《多宝塔》到欧阳询的《九成宫》，日复一日临摹，墨汁浸透了半池砚台，那时不懂“屋漏痕”的妙处，只觉得每一笔都要“力透纸背”是折磨，直到某天临《兰亭序》，忽然看见“之”字的或映带或顾盼，才惊觉那些横竖撇捺里，藏着王羲之与友曲水流觞的从容，原来书法不仅是技法的传承，更是文化的血脉——甲骨文的古朴，金文的凝重，汉碑的雄浑，唐楷的法度，行草的飘逸，每一笔都是古人风骨的延续，临帖不是复制，而是与先隔时空的对话，在“与古为徒”中,慢慢触摸到汉字背后的精神世界。

学习书法的十年，像一场漫长的“破茧”，从最初追求“像”，到后来慢慢懂“意”，再到如今尝试“以我书写我心”，每一步都伴随着困惑与突破，曾有一段时间，沉迷于“展厅效应”，刻意追求笔墨的浓淡干湿、章法的奇正相生，却总觉作品少了生气，直到读到傅山“宁拙毋巧，宁丑毋媚”的论述，才恍然：书法的最高境界，从来不是形式的炫技，而是心性的自然流露，于是开始放下“要写好”的执念，在雨天写《寒食帖》，让湿漉漉的纸墨映衬苏轼的悲凉；在秋日抄《赤壁赋》，让飞舞的笔锋随苏轼的豁达起伏，原来当笔尖与心境相通，墨迹便会自己说话——那些看似“不完美”的飞白、枯笔,恰是情绪最真实的注脚。

为了让这段心路更清晰,我曾梳理过自己的学习与创作阶段：

如今回看，每个阶段的“重点”其实都是“阶梯”——技法是基础，但若止步于技法，书法便成了没有灵魂的“美术字”，真正的书法，应是“书为心画”，是写字人修养、阅历、情感的综合体现，练字时，我常想起祖父的话：“写字如做人，心正则笔正。”这句话初听是教诲，如今才懂是真谛：下笔时的专注，是“敬”；结字时的平衡，是“和”；行气中的贯通，是“一”，书法教会我的，不仅是如何握笔，更是如何处世——如何在浮躁中沉下心来，如何在规矩中寻求变化,如何在孤独中与自我对话。

这本集子里的作品，没有惊世之作，却都是我不同时期的“真心话”，有临帖时的“循规蹈矩”，有创作时的“胆大妄为”，也有迷茫时的“笨拙尝试”，它们或许不完美，却记录了一个写字人从“技”到“道”的求索，记录了书法如何从一项“技能”，变成我生活的一部分，变成我观察世界的方式，或许还会有新的探索，新的困惑，但只要笔墨在手，我便知道：这条路，还很长；而书法,会一直是我最忠实的伙伴。

FAQs

问题1：这本书法集中，您提到“无意于佳乃佳”，能否结合具体作品谈谈这一创作理念的实践？
解答：以集子中的《心经》册页为例，创作时我并未刻意追求笔法的精妙或章法的严谨，而是专注于抄写经文时的“静心”，当时窗外下着小雨，雨声淅沥，我随着呼吸调整笔速，遇到“色即是空”等句时，下笔略沉；遇到“心无挂碍”等句时，笔锋自然轻快，过程中偶有一两笔墨色洇开，起初想补救，后来反而觉得这种“不完美”恰是“无心”的体现——没有刻意设计，没有追求效果，只是让心绪与文字、笔墨自然融合，这种状态下写出的作品，反而比反复修改的“精心之作”更有生命力，也让我更深刻体会到“无意于佳乃佳”的真谛：放下对结果的执念,让创作回归本真。

问题2：在书法学习中，您认为如何平衡“继承传统”与“创新表达”的关系？
解答：在我看来，“继承”与“创新”从来不是对立的，而是“源”与“流”的关系，传统是书法的“根”，没有对传统的深刻理解，创新便成了无本之木，我的做法是“先入古，再出古”：花大量时间临摹经典，比如临《张迁碑》时，不仅要练笔画，更要理解汉人“朴拙”的审美；临《寒食帖》时，体会苏轼“无意于书”的情感表达，在生活中寻找创新的灵感，比如用现代纸张尝试传统书写的肌理，将日常生活的感悟融入行草的节奏，创新不是凭空创造，而是在传统基础上，结合个人体验和时代精神的“推陈出新”，就像米芾“集古字”而成“米家样”，创新的前提,是对传统的敬畏与深耕。