扬保国画家是中国当代画坛中一位专注于传统与现代融合的山水画创作者,其作品以笔墨遒劲、意境空灵见长，既承袭宋元山水的磅礴气韵，又融入当代人文关怀，形成了独特的“写意山水”风格，他出生于上世纪60年代的江南书画世家，自幼受家庭熏陶，临摹古画、研习书法，后毕业于美术学院国画系，系统学习传统绘画理论与技法，在四十余年的创作生涯中，他始终坚持“外师造化，中得心源”，遍历名山大川，将自然写生与传统笔墨相结合，逐渐形成了“浑厚中见灵秀，苍劲中含温情”的艺术面貌。
扬保国的艺术生涯可大致分为三个阶段：早期（80-90年代）以临摹传统为主，深入研究范宽、黄公望等大家的笔墨技法，作品多注重形似与技法的严谨；中期（2000-2010年代）进入探索期，在传统基础上融入西方构成美学，尝试突破传统山水的程式化布局，强调画面节奏与视觉张力；成熟期（2010年代至今）形成个人风格，笔墨从“师古人”转向“师心”，以简练的线条概括山石肌理，以墨色的浓淡干湿营造空间层次，题材多聚焦于江南烟雨与北方山川的对比，展现地域文化的多样性与统一性。
其艺术风格的核心在于“笔墨当随时代”的实践，在技法上，他擅长“积墨法”与“破墨法”的结合：先以淡墨层层积染，营造山体的厚重感，再以浓墨破之，形成墨色的交融与变化，使画面既有传统山水的深邃，又不失现代绘画的明快，在题材上，他既画《溪山行旅图》式的雄浑北方山水，也绘《富春山居图》般的江南烟雨，更将城市景观、人文符号融入传统山水，如在《都市山居》系列中，以高楼林立的剪影与远山云雾相映，探讨自然与文明的共生关系，意境营造上，他追求“可游可居”的审美体验，通过留白、云雾、流水等元素的巧妙处理，让观众在画面中感受到空间的延伸与时间的流动，仿佛置身于“山水之间，心游太玄”。
代表作品方面,《云壑松风》是其成熟期的标志性画作：画面以高远构图展现山峰的巍峨，近景松针以焦墨勾勒，劲挺如铁；中景云雾以淡墨晕染，轻盈缥缈；远景山峰则以积墨法层层积染，形成深远的空间感，整幅画笔墨繁简得当，虚实相生，既展现了北方山水的雄浑，又透露出南方山水的灵秀。《江南忆》则聚焦水乡风韵，以简练的线条勾勒白墙黛瓦，墨色淡雅如烟，水面倒影与柳枝摇曳相映成趣，营造出“小桥流水人家”的诗意氛围，这些作品不仅体现了其对传统技法的深刻理解，更彰显了其将个人情感与时代精神融入画作的创作理念。
扬保国的艺术成就不仅体现在作品本身,更在于他对传统绘画传承与创新的推动，他曾任美术学院客座教授，开设“山水画写生与创作”课程，强调“写生不是对自然的复制，而是对自然的提炼与升华”，培养了众多青年画家，他积极参与国内外艺术展览，作品被多家美术馆、博物馆收藏，为中国山水画的当代传播作出了重要贡献，他的创作实践证明，传统绘画并非静止的标本，而是在与时代对话、与自然共鸣中不断发展的生命体。
相关问答FAQs
Q1：扬保国画家的山水画与传统文人画有哪些显著区别？
A1：扬保国画家在继承传统文人画“笔墨情趣”与“意境营造”的基础上，融入了当代视觉元素与人文思考，区别主要体现在三方面：一是题材拓展，传统文人画多聚焦于隐逸山居、田园小景，而扬保国将城市景观、现代建筑等纳入山水画，拓展了山水画的边界；二是笔墨语言，传统文人画强调“写意”的含蓄性，而扬保国在保留笔墨韵味的同时，适当加强画面的视觉张力，如通过墨色的强烈对比与构图的现代感增强冲击力；三是精神内涵，传统文人画多寄托个人隐逸情怀，而扬保国的作品更关注自然与文明的共生、传统与现代的碰撞，具有更鲜明的时代特征。
Q2：扬保国画家在创作中如何平衡传统与创新的关系？
A2：扬保国画家认为传统与创新并非对立，而是“一体两面”，平衡的关键在于“守正创新”：他坚守传统绘画的核心——笔墨精神与审美意境，坚持“以书入画”，强调线条的质量与墨法的韵味，如临摹古画时深入研究范宽的“雨点皴”、黄公望的“披麻皴”，夯实传统功底；他注重从自然与生活中汲取灵感，通过写生观察山川的现代面貌，将西方绘画的构成法则、色彩理论融入传统构图，如在《都市山居》中，以几何形状的高楼与曲线的山峦形成对比，既保留了传统山水的“气韵生动”，又体现了现代都市的节奏感，他常说：“传统是根，创新是叶，根深才能叶茂。”这种理念使其作品既有传统的厚度，又有当代的活力。
