国画家非予，他的笔墨间藏着怎样的艺术密码？

国画家非予,当代中国画坛一位颇具个性的探索者，他以笔墨为媒介，在传统与现代的交汇点上构建起独特的艺术世界，非予的画作既有对古典文人画精神的深刻体悟，又融入了当代人的生活感知与审美诉求，形成了“古意新境”的艺术风貌。

非予本名李非予,1965年生于江南古城苏州，自幼浸润在吴门画派的文化氛围中，少年时临摹《芥子园画谱》，后拜入当地名家门下，系统学习山水画技法，青年时代游历名山大川，师法自然，从黄山的奇绝到泰山的雄浑，从江南的温婉到西北的苍茫，皆成为他创作的灵感源泉，他在中央美术学院中国画系深造期间，深入研究宋元绘画的笔墨传统，同时关注西方现代艺术的构成理念，逐渐形成“以古为根，以新为魂”的创作观。

在题材选择上,非予以山水为主，兼及花鸟、人物，但始终围绕“自然与人文的共生”展开，他的山水画并非对自然的简单复刻，而是“外师造化，中得心源”的产物，笔下的江南山水，既有“小桥流水人家”的诗意，又融入了都市人的隐逸情怀——烟雨朦胧中的黛瓦白墙，或许藏着现代人对慢生活的向往；北方山水则强调“天地有大美而不言”的壮阔，用雄浑的笔触展现自然的生命力，层峦叠嶂间可见他对天地敬畏之心，花鸟画中，他常以梅兰竹菊为题，却赋予其新的时代寓意：如《寒梅图》中，梅花不再是孤傲的象征，而是坚韧与希望的化身，枝干遒劲如铁，花瓣却淡雅温润，暗合当代人在困境中前行的精神。

技法上,非予深谙“墨分五色”的奥义，善用浓墨勾勒山石轮廓，淡墨渲染云雾，枯笔表现苍劲，湿墨营造氤氲，他的线条既有书法的笔力，又富有节奏感：画山石时，融合披麻皴的柔韧与斧劈皴的刚劲，刚柔并济；画树时，中锋行笔如铁画银钩，侧锋扫叶则飘逸灵动，构图上，他打破传统山水画的“三远法”局限，采用“散点透视”与“焦点透视”结合，使画面更具现代感——如《溪山行旅图》中，近景溪水潺潺用散点透视展现绵延，远景山峰则用焦点透视突出巍峨，形成“咫尺千里”的空间张力，色彩上，他偏爱淡雅的青绿设色，间或点缀朱砂、石青，形成“雅而不俗，艳而不俗”的视觉效果，既保留传统山水的雅致，又符合当代观众的审美需求。

意境营造是非予画作的核心追求,他曾在访谈中说：“画山水，其实是画自己的心境。”无论是《烟江叠嶂图》的朦胧悠远，还是《秋山问道图》的空灵静谧，都透露出他对宁静生活的向往和对自然的敬畏，他的作品常题写自作诗，诗画相映，深化了画面的文化内涵——如“一叶扁舟载酒去，半山烟雨听松声”，寥寥数语，便勾勒出文人雅士的生活情趣，也暗含他对“出世”与“入世”的思考，这种“诗画一体”的追求，让他的画作超越了视觉层面，成为可品、可读、可游的精神家园。

作为一位创作者,非予也是艺术传承的推动者，他长期在高校任教，培养青年画家，主张“笔墨当随时代”，鼓励学生在继承传统的基础上勇于创新，他的画作多次参加国内外重要展览，如北京国际美术双年展、中国美术馆当代中国画展等，并被多家美术馆及私人收藏，近年来，他尝试将数字媒体与传统绘画结合，通过动态影像展现山水画的意境变迁，让古老的艺术形式焕发新的生命力。

非予的艺术实践,本质上是对中国画传统的创造性转化，他既不泥古不化，也不盲目求新，而是在传统与现代的张力中寻找平衡，让笔墨既有根脉，又有时代呼吸，正如他所言：“传统是土壤，不是枷锁；创新是生长，不是背叛。”这种清醒的文化自觉，让他的作品在当代中国画坛独树一帜，也为传统艺术的未来发展提供了有益借鉴。

FAQs

问：非予的国画创作中，传统与现代是如何融合的？
答：非予的融合体现在多个层面：在笔墨上，他继承宋元山水的传统技法（如披麻皴、斧劈皴），同时融入西方现代艺术的构成理念，打破传统山水画的固定构图；在题材上，他既画传统的梅兰竹菊、山水田园，又赋予其当代人的精神内涵（如将梅花的孤傲转化为坚韧的时代精神）；在色彩上，他保留传统青绿山水的淡雅，同时适度使用重彩增强视觉冲击力，使作品既有古典韵味，又不失现代审美，这种融合不是简单的叠加，而是以传统为根基，以时代为滋养，让笔墨语言既“有来历”，又“有新意”。

问：非予的艺术风格对当代国画界有哪些启示？
答：非予的艺术风格为当代国画界提供了重要启示：一是“守正创新”的路径，即在坚守传统笔墨精神的基础上，结合时代审美进行创新，避免盲目跟风或全盘否定传统；二是“画为心声”的创作态度，强调艺术创作应回归内心，表达真实的生活感受与精神追求，而非流于形式；三是“跨界融合”的视野，鼓励画家吸收其他艺术门类的养分（如书法、西方绘画、数字媒体等），丰富国画的表现语言，推动传统艺术的当代发展，他的实践证明，传统艺术的传承不是静态的“保存”，而是动态的“生长”，唯有扎根传统、拥抱时代，才能让中国画焕持久的生命力。