水彩画家于，他的水彩世界如何流淌出独特诗意？

水彩画家于景明,1965年生于山东济南，自幼在泉城的水光山色中浸润成长，祖父是当地小有名气的国画爱好者，常以水墨写意描绘大明湖的荷、千佛山的松，童年的于景明便在祖父的笔墨启蒙下，对“以形写神”的艺术理念有了懵懂的认知，1983年，他考入山东艺术学院美术系，师从水彩画家高光耀先生，系统学习水彩技法，大学期间，他既沉迷于透纳水彩中光影的魔法，又醉心于宋代山水画“三远法”的意境，逐渐在心中埋下了“中西合璧”的创作种子，毕业后，他背起画包游历江南，苏州园林的曲径通幽、周庄流水的桨声灯影、乌镇篷船的欸乃之声，这些充满诗意的景致像种子般在他心中生根发芽，成为他日后创作的重要源泉，他曾说：“江南的烟雨让我明白，水彩的‘湿’不仅是技法，更是情感的载体——就像水墨的‘晕’，能让画面呼吸。”

于景明的创作理念,核心是“写意”二字，他反对对景写生的机械复制，主张“外师造化，中得心源”，在他看来，水彩的最高境界不是精准再现，而是传递意境与情感，他将这种理念概括为“三性”：一是“水性”，尊重水的流动性，让颜色在水的作用下自然晕染、渗透，形成不可复制的肌理，正如他笔下的《晨雾中的拙政园》，湿画法让远处的亭台楼阁在雾气中若隐若现，仿佛能听到雨滴落在湖面的轻响；二是“色性”，善用冷暖色对比制造张力，表现晨曦时用暖橙与湖蓝的碰撞，让阳光穿透薄雾的瞬间跃然纸上，表现暮色时用紫罗兰与赭石的交融，勾勒出黄昏的温柔与厚重；三是“意境性”，将中国画的“留白”与“虚实相生”融入水彩，让画面既有具象的景致，又有空灵的想象空间，观者看似“空白”处，实则能感受到“无画处皆成妙境”的悠远。

他的技法特点,既有对传统的继承，也有个人的创新，为更清晰地呈现，可参考下表：

在四十余年的创作生涯中,于景明留下了许多脍炙人口的作品，以下是其部分代表作的梳理：

于景明的艺术成就不仅体现在作品本身,更在于他对水彩画坛的推动，他的作品多次入选全国美展、国际水彩双年展，并获“中国水彩画学术奖”“中国水彩金彩奖”等荣誉，他曾在中央美术学院、中国美术学院等高校举办讲座，提出“水彩要扎根中国土壤”，反对盲目模仿西方风格，其“意境水彩”的创作理念影响了众多青年画家，他还参与“水彩进校园”公益项目，亲自授课指导，让更多孩子感受水彩的魅力，他曾说：“水彩是轻便的艺术，一支笔、一张纸，就能记录生活、表达情感，我希望它能走进更多人的生活。”

FAQs

问题1：于景明先生的水彩画中常出现“留白”，这种技法在创作中起到了怎样的作用？
解答：留白是中国传统绘画的重要手法，于景明将其融入水彩，主要有三方面作用：一是营造空间感，如《荷塘月色》中的大面积留白表现水面的开阔，让观者产生“无画处皆成妙境”的想象；二是突出主体，避免画面填满，如《老胡同的雪》中留白的雪地与深色的屋檐形成对比，强化了胡同的沧桑感；三是传递情感，留白处的“空”往往对应画面的“静”，如《晨雾中的拙政园》的留白营造出烟雨朦胧的诗意氛围，让观者感受到宁静与悠远，可以说，留白是他“以简驭繁”美学理念的直观体现。

问题2：初学者学习水彩画时，于景明的哪些创作理念或技法值得借鉴？
解答：初学者可从以下三方面借鉴：一是“先练水，再练色”，于景明强调“水是水彩的灵魂”，建议初学者先练习水分控制，比如在湿纸上滴加颜色，观察晕染效果，再逐步过渡到干画法的叠色，避免“脏”“乱”“死板”；二是“写生与创作结合”，他主张“写生是收集素材，创作是表达情感”，初学者可先从静物、风景写生入手，积累对光影、色彩的感知，再尝试加入主观情感进行创作，比如画同一棵树，清晨与傍晚的情感表达可以截然不同；三是“注重意境营造”，即使技法不成熟，也可通过留白、虚实对比等手法表达画面氛围，比如画夕阳时，不必完全涂抹天空，适当留白表现晚霞的通透感，让画面更有诗意，而非停留在“像不像”的层面。