画家董俊启，1956年生于河北保定，自幼浸润于燕赵文化沃土，少年时便以书画天赋闻名乡里，1978年考入中央美术学院中国画系，师从李苦禅、李可染、周思聪等艺术巨匠，系统研习传统笔墨与造型技法，毕业后任教于天津美术学院，从事中国画教学与创作四十余载，现为天津美术学院教授、中国美术家协会会员、中国国家画院研究员，其艺术创作扎根传统，勇于创新，以山水画见长，兼擅花鸟、人物，作品既承袭宋元山水的雄浑气韵，又融入当代人文精神，形成了“浑厚苍茫中见灵秀，笔墨酣畅里蕴哲思”的独特艺术风貌。
董俊启的艺术成长之路，是对“外师造化，中得心源”的深刻践行，幼年受祖父影响临摹《芥子园画谱》，打下坚实的传统基础；大学期间系统研习范宽《溪山行旅图》、郭熙《早春图》等经典，深得北宋山水“三远法”之精髓；中年遍游黄山、泰山、太行山，在写生中体悟自然之“真”，将北方山石的刚劲与南方云水的灵动熔于一炉，他常说：“笔墨当随时代，但时代之‘魂’在传统之‘根’。”这种对传统的敬畏与对创新的追求，使其作品既有古意又具时代感，如《太行秋色》系列，以浓墨重皴表现太行山脉的雄浑肌理，又以淡墨晕染营造云雾流动的意境，刚柔并济,气势磅礴。
在艺术风格上，董俊启的创作呈现出多维度的融合与创新,通过表格可清晰梳理其艺术特色：
| 风格维度 | 具体表现 | 代表技法与理念 |
|---|---|---|
| 笔墨语言 | 笔力雄健，墨色层次丰富，既有“力透纸背”的金石气，又有“墨分五色”的灵动性 | 融合斧劈皴、披麻皴，独创“破积墨法”，在反复积墨中形成厚重感，辅以破墨增加灵秀 |
| 构图章法 | 注重“虚实相生”，常以“S形”或“C形”构图营造空间层次，留白处意境悠远 | 受道家“有无相生”哲学影响，强调“计白当黑”，如《云壑松风》中大面积留白与山势形成强烈对比 |
| 色彩运用 | 以水墨为基调，适度施以赭石、花青、螺青等淡彩，追求“绚烂之极归于平淡” | 提出“水墨为体，色彩为用”，色彩不喧宾夺主，仅作为水墨的补充，增强画面氛围感 |
| 意境营造 | 多表现“高隐”“清逸”之境，融入文人画诗书画印一体传统，传递天人合一的哲思 | 作品常题自作诗，如《溪山听泉》题诗“石泉流作琴中韵，松风吹入画里心”，强化意境统一 |
董俊启的代表作品是其艺术理念的集中体现，早期作品《太行浩气》（1987年）以全景式构图描绘太行山冬景，主峰巍峨，山间寒林萧瑟，笔墨苍劲，获“全国中国画展”金奖，被誉为“新时代的《溪山行旅图》》，中期作品《荷塘清趣》（2005年）突破传统山水题材，以大写意手法表现荷塘，荷叶泼墨淋漓，荷花勾勒精妙，游鱼灵动，色彩淡雅中见生机，被中国美术馆收藏，近年力作《黄河魂》（2020年）以黄河壶口瀑布为主题，采用俯视构图，浪涛翻滚如千军万马，墨色浓烈如惊雷闪电，既展现黄河的磅礴气势，又暗喻中华民族的精神图腾，入选“中国共产党百年百项经典美术作品”。
作为教育家，董俊启主张“画品与人品统一”，强调“先学做人，再学作画”，他培养的数十名学生如今已成为画坛中坚，其著作《山水画技法十八讲》《笔墨与时代》等成为艺术院校重要教材，他还积极参与公益事业，多次为贫困地区捐赠画作，并带领学生赴偏远地区开展美育支教,践行艺术家的社会责任。
董俊启的艺术成就得到业界高度认可，先后在国内外举办个人展览30余次，作品被故宫博物院、中国美术馆、大英博物馆等机构收藏，2023年，获“中国美术奖·终身成就奖”，评委会评价其“以传统笔墨为根，以时代精神为魂，为中国山水画的当代发展开辟了新径”。
相关问答FAQs
问：董俊启的山水画为何被称为“有温度的传统”？
答：董俊启的山水画并非对传统的简单复刻，而是在继承传统笔墨语言的基础上，融入个人情感与时代体验，他笔下的山川草木并非客观描摹，而是经过主观提炼的“心象”，如描绘北方山石时，刚劲的线条中蕴含对故土的眷恋；表现江南烟雨时，淡墨渲染中透着对温润生活的向往，这种“以情入画”的创作方式，让传统笔墨有了鲜活的情感温度，使观众既能感受到宋元山水的古意，又能体会到当代人的精神共鸣，故被称为“有温度的传统”。
问：董俊启在教学中如何平衡传统与创新的关系？
答：董俊启在教学中强调“传统是根基，创新是生命”，他要求学生先临摹经典，从《五牛图》《富春山居图》等作品中掌握笔墨规律，打好“传统桩”；再通过写生深入自然，观察山川形态、光影变化，将传统技法转化为个人语言，他常以“学传统如逆水行舟，不进则退；求创新如顺流而下，不进则滞”比喻二者的关系，主张“守正创新”——既不泥古不化，也不为创新而创新，而是在深刻理解传统精神的基础上，结合时代审美进行创造性转化，培养出既能“入古”又能“出新”的艺术人才。
