画家白耿延的绘画中藏着怎样的艺术密码？

画家白耿延是中国当代具象绘画领域一位极具辨识度的艺术家，他以对自然与人文的细腻观察、对传统与现代绘画语言的融合探索，在画坛独树一帜，自上世纪80年代步入艺术创作领域以来，白耿延始终秉持“以技载道，以画寄情”的创作理念，其作品涵盖油画、水彩、素描等多个媒介，题材广泛，从静物、风景到人物，无不渗透着他对生命、时光与文化的深刻思考。

白耿延的艺术成长轨迹，与中国社会变革和文化思潮的演进紧密相连，他出生于上世纪60年代的一个书香世家，自幼受传统文化熏陶，少年时便临摹《芥子园画谱》《石涛画语录》，打下坚实的传统绘画功底，80年代，他考入中央美术学院油画系，系统接受西方具象绘画训练，期间深入研究伦勃朗、委拉斯贵支等古典大师的光影技法，也关注弗洛伊德、培根等现代表现主义者的情感表达，这种“传统为根，西学为用”的学习经历，为他日后形成独特的艺术语言埋下伏笔，90年代，白耿延游历欧洲，遍访各大博物馆，在卢浮宫对着维米尔《倒牛奶的女仆》临摹时，他突然意识到：“东方绘画的‘气韵生动’与西方绘画的‘光影真实’，本质都是对生命状态的捕捉。”这一感悟促使他开始打破中西绘画的壁垒,尝试将中国画的写意精神融入油画的写实框架中。

在艺术风格上，白耿延的作品呈现出“静穆中的诗意”与“细腻里的力量感”两大特质，他的静物画尤具代表性，不同于西方古典静物对物质属性的精准描摹，也不同于中国传统花鸟画的象征寓意，白耿延笔下的静物更像是一场“时光的物语”，例如他的系列作品《旧物记》，以斑驳的旧书、磨损的木椅、蒙尘的茶壶为对象，通过层层叠加的透明画法，让光线穿透物体的肌理，在画布上形成斑驳陆离的光影效果，他刻意弱化色彩的鲜艳度，以低饱和度的赭石、土黄、灰蓝为主调，却在笔触中暗藏张力——每一道笔触都像是在与时光对话，既是对物体形态的忠实记录，也是对岁月痕迹的诗意凝练，有评论家称：“白耿延的静物不是‘摆’出来的，而是‘长’出来的，它们带着时间的温度，从画布里自然生长出来。”

风景画是白耿延艺术世界的另一重要维度，他笔下的风景多取材于北方乡村与江南水乡，既有北方山水的苍茫浑厚，也有江南园林的婉约灵秀，与印象派风景对瞬间光影的捕捉不同，白耿延追求“恒久性”的自然表达，他常在同一个场景中反复写生，历经数月甚至数年，将不同季节、不同时辰的光影变化融入同一幅画面，形成“时空叠印”的独特效果，山间暮色》系列，他通过反复罩染与皴擦，让远山与近雾在虚实之间相互渗透，晨雾、暮霭、月光、雪影在画布上交织，营造出“可行、可望、可游、可居”的意境，这种创作方式，深受中国传统山水画“三远法”与西方油画“多层次透明技法”的双重影响，既保留了东方哲学中“天人合一”的宇宙观,又体现了油画对空间深度的极致探索。

人物画方面，白耿延较少创作宏大的历史叙事，而是聚焦于普通人的日常瞬间，尤其是劳动者的形象，他的《工匠系列》以木匠、铁匠、织布工为对象，通过近距离的构图与特写式的刻画，突出人物手部的细节——布满老茧的手、紧握工具的手、编织纹理的手，这些“手”成为生命的符号，承载着劳动者与物质世界的互动痕迹，他的人物画色彩克制，多以黑白灰为基调，仅在人物面部或衣饰的局部点缀一抹亮色，形成视觉焦点，这种处理方式，既是对古典主义“明暗对照法”的继承，也是对人物内在精神的聚焦——在朴素的表象下,涌动着生命的坚韧与尊严。

白耿延的艺术成就，离不开他对创作技法的极致追求，他坚持“间接画法”，即通过多次罩染与透明色层叠加，形成丰富而通透的色彩效果，这一技法源自文艺复兴时期的古典油画，但白耿延将其与中国画的“积墨法”相结合，在油画中创造出类似水墨的晕染效果，他的画布上，常常能看到数十层乃至上百层的色层，每一层都薄如蝉翼，却共同构建出物体的体积感与光影的微妙变化，为了更好地表现物体的肌理，他甚至尝试在颜料中加入沙土、木屑等天然材料，让画布本身成为“物”的延伸，这种对技法的痴迷，背后是对“艺术真实性”的深刻理解——对他而言，真实不是对客观世界的简单复制，而是通过物质材料的“在场感”,让观众在视觉触摸中感受到生命的存在。

近年来，白耿延将目光投向了更广阔的文化议题，创作了《非遗传承者》系列，以纪录片式的视角记录即将消失的传统手工艺，他不再局限于画布，而是将绘画、摄影、文字相结合，形成“多媒介艺术档案”，这一系列作品不仅是对传统文化的抢救性记录，更是对“何为艺术”的追问——当艺术不再仅仅是美术馆里的陈列品，而成为连接过去与现在的桥梁,它便拥有了超越时空的社会价值。

以下为白耿延部分代表作品概览：

白耿延的艺术实践，为中国当代具象绘画的发展提供了重要启示，在“观念艺术”盛行的当下，他坚守绘画的本体语言，却又不固步自封，而是以开放的心态吸收多元文化养分，让传统在创新中焕发新生，他的作品告诉我们：艺术的终极意义不在于形式的标新立异，而在于对人类共通情感与永恒价值的深度挖掘，正如他自己所言：“我画的是物，也是时光；是风景，也是人心；是眼前的具体，也是宇宙的永恒。”

FAQs

问：白耿延的创作中常出现“旧物”意象，这背后有何特殊含义？
答：白耿延笔下的“旧物”（如旧书、旧家具、老工具等）并非简单的物品罗列，而是“时光的载体”，他认为，旧物上承载着人的使用痕迹、情感记忆与历史温度，这些痕迹是时间流逝的具象化表达，通过细腻刻画旧物的斑驳、磨损与纹理，他试图探讨“记忆与遗忘”“永恒与瞬间”的哲学命题，同时引发观众对现代消费社会中“快消文化”的反思——在追求“新”与“快”的时代，我们是否正在失去与“过去”的情感连接？

问：您认为白耿延的艺术风格对当代青年画家有何启示？
答：白耿延的艺术风格对青年画家的启示主要体现在三个方面：一是“文化自信”的建立——他证明了中国传统绘画语言（如写意精神、笔墨韵味）与西方油画技法并非对立，而是可以相互融合，为当代艺术提供独特的东方视角；二是“深度创作”的重要性——他拒绝跟风潮流，而是对同一主题进行长期、深入的探索，这种“慢创作”的态度提醒青年画家：艺术的沉淀比速度更重要；三是“社会关怀”的自觉——从《工匠系列》到《非遗传承者》，他的作品始终关注现实与人文，这启示青年画家：艺术创作不应局限于个人表达，更应承担起记录时代、传承文化的责任。