石泽君，1965年出生于浙江杭州一个书香世家，祖父是当地小有名气的国画爱好者，幼时的他常在祖父书房里临摹《芥子园画谱》，笔墨纸砚的气味成了童年最深的记忆，1983年，他以优异成绩考入中央美术学院油画系，成为当年系里为数同时选修中国画史论的学生，师从油画大师靳尚谊和中国画家周思聪，在两种艺术体系的碰撞中，逐渐萌生了“让油画长出东方的根，让水墨呼吸当代的气”的创作初心。
他的艺术生涯可分为三个清晰阶段，每个阶段都 marked by 对传统与现代的深度思考与实践，1983至1995年的探索期，他以写实主义为基，尝试将西方油画的光影技法与江南水乡的诗意结合，这一时期的代表作《西湖烟雨》中，他用油画厚涂法细致描绘湖面波光，同时借鉴米点皴的笔触表现远山朦胧，烟雨中的柳枝以细劲的墨线勾勒，既保留了油画的质感层次，又透出东方水墨的空灵，1996至2010年的融合期，他开始打破媒介边界，在油画布上泼墨、在宣纸上叠加丙烯，让水与色、形与意自由渗透，2005年的《窗外的竹》堪称此期代表作：左侧西式窗框以写实笔触勾勒，光影透过玻璃在墙面投下斑驳竹影；右侧窗外的竹子则直接在画布上泼墨挥洒，竹竿浓墨干笔，竹叶淡墨晕染，竹影与窗内光影交织，形成“窗内是现实，窗外是心境”的隐喻，技法上实现了油画的厚重与水墨的灵动完美共生，2011年至今的成熟期，他彻底走向抽象写意，以色块与线条构建精神图景，代表作《山水观》中，大面积的朱砂泼彩形成山水的意象，藤黄与石青的碰撞如自然呼吸，细劲的书法线条穿插其间，弱化具体形象，却强化了“气韵生动”的当代感受，正如他所言：“现在画的不是山水，是山水在我心中的回响。”
石泽君的艺术特色，首先体现在“中西互鉴”的创造性转化上，他从不简单拼接中西元素，而是从美学内核出发，将西方油画的“体面”与中国画的“笔墨”融合，比如在表现都市题材时，他用几何线条勾勒现代建筑的冷硬轮廓，背景却以水墨晕染的“虚白”留出诗意空间，形成“实与虚”“刚与柔”的视觉对话，他的作品始终贯穿着“人文关怀”与“自然哲思”的双线，无论是早期的江南水乡，中期的都市山水，还是晚期的抽象意境，都在探讨“人与自然”“传统与现代”的关系，如《都市山水》系列中，高楼与远山、霓虹与星月同框，暗含对城市化进程中精神家园的追问，他的色彩运用极具个性，突破传统水墨的黑白灰限制，大胆使用矿物颜料，让朱砂的暖、石青的冷、赭石的厚重在画面上碰撞，形成既热烈又沉静的视觉张力，被评论家称为“东方色彩的诗学”。
在艺术成就与社会影响层面，石泽君是当代画坛“融合派”的代表人物，他的作品被中国美术馆、上海美术馆、纽约大都会艺术博物馆等30余家国内外重要机构收藏，曾获“中国美术奖”“全国美展金奖”等荣誉，并多次受邀在威尼斯双年展、卡塞尔文献展等国际艺术舞台上亮相，作为中央美术学院的教授，他培养了数十位青年艺术家，提出“技法是桥梁，心灵是目的地”的教学理念，鼓励学生在掌握传统的基础上，找到自己的“艺术方言”，他发起“中西艺术对话”国际项目，组织中外艺术家共同创作，推动中国当代艺术走向世界，让西方观众在油画中读懂东方的“气韵”，在水墨中感受当代的“呼吸”。
石泽君的艺术，是一场跨越四十年的文化修行，他以传统为土壤，以创新为枝叶，在油画与水墨的边界上，开辟出一条独特的艺术路径，他的作品证明，真正的艺术不在于固守某一种媒介或风格，而在于用真诚的心灵连接古今、沟通中外，让传统在当代焕发新生,让世界看见中国文化的当代生命力。
FAQs
Q1：石泽君的艺术创作中，传统与现代是如何具体融合的？
A1：石泽君的传统与现代融合体现在技法、题材、精神三个层面，技法上，他将油画的厚涂、光影与水墨的留白、皴法结合，如在《窗外的竹》中用油画表现窗框质感，用水墨泼洒竹叶，形成虚实相生的效果；题材上，将传统山水、花鸟元素与都市生活场景并置，如《都市山水》中高楼与远山同框，构建传统与现代的视觉对话；精神上，以传统“气韵生动”为核心，用抽象色彩与线条表达当代人的精神状态，如《山水观》通过泼彩传递“天人合一”的当代思考，实现传统美学精神的现代转化。
Q2：石泽君的成熟期作品为何多采用抽象写意风格？这种转变背后的创作理念是什么？
A2：石泽君成熟期的抽象写意风格，源于他对“艺术本质”的深度思考，他认为，随着年龄增长和创作积累，对物象的模仿已不足以表达内心的复杂感受，需要“从具象走向抽象，从形似走向神似”，在《山水观》《呼吸》等作品中，他弱化具体形象，通过色块的碰撞、线条的挥洒，让观众从“看山水”转向“品心境”，这种转变背后是他的创作理念——“绘画是心灵的镜像，越接近抽象，越接近真实的自我”，他强调，抽象不是对传统的背离，而是对传统“写意精神”的极致发展，正如中国画的“逸笔草草，不求形似”,都是在追求超越物象的精神表达。
